量子
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剧情介绍
郊外一座废弃的工厂内，一支摄制组正在拍摄一部粗糙简陋的僵尸片。导演日暮隆之（滨津隆之 饰）不满女主角松本逢花（秋山ゆずき 饰）的演技，因此暴跳如雷，大吼大叫。在工作人员晴美（しゅはまはるみ 饰）的建议下，剧组暂时停止拍摄。休息间隙，晴美向松本以及饰演僵尸的男演员神谷和明（长屋和彰 饰）讲述了这座工厂在二战期间的恐怖旧事。就在此时，不祥的巨响突然传来，未过多久，一名工作人员化作僵尸突然出现，对其他剧组成员展开疯狂啃咬。演职员们四散而逃，而疯狂的导演却举起摄像机，开始了他梦寐以求的电影的拍摄。 30多分钟的血腥屠杀，令所有人始料未及的是，这还并不是这部恐怖电影的全部！东京家族萨赫之恋雄霸拳坛泰森传迪迦奥特曼外传 远古复苏的巨人小鬼开球蛊1981火焰蓝·只为你着迷乌娜袁天罡之异域妖踪刀出鞘国家地理：狂野印度苹果2020巨型漏洞清白人善被人欺极速枪王妈妈：怪物的母亲姜味关系谍网雄风（国语版）喷火教父日本统一关东篇安多弗偶像漩涡巴顿将军与恶魔携手鬼影特攻：以暴制暴敌特在行动生死情劫花开花落1980肇事逃逸2015你丫闭嘴法比安2021涉外大饭店开天辟地你好世界我的兄弟不可能这么萌
长篇影评
1 ) 彩蛋，你不知道的摄影机背后的事
周五的电影鉴赏课，学科老师带着我们科一百多人浩浩荡荡前往川崎的影院观看这部电影。对于我们放送艺术专业的学生来说，这部片子太容易有共鸣和代入感了。下午请到了电影的导演上田慎一郎先生给我们做了分享，他真的是个很可爱的人，幽默健谈，身上带着对电影的热爱。是对电影的热爱，而不是对这个圈子的热爱。他讲了几件有趣的事情，在这里与大家一起分享。
1，300万
被大家津津乐道的三百万是必讲话题，上田桑说请演员没有花到三分之一的钱，大部分演员都是他的朋友所以甚至有无料出演的。（当然也想请广濑丝丝这样的，但一天就要好多钱 可爱的导演如是说）
大家记得那个哇哇大哭的婴儿吗？那是上田桑的儿子，当时是三个多月大。
片中导演住的房子，就是上田桑自己的房子。
服装更是大家自己用剪子剪一剪弄弄脏做出来的。特效化妆也没有投入太多。
2，8天拍摄、6次一镜到底
仓库的拍摄一共耗费八天
三十多分钟的一镜到底一共拍摄了六次，因为总有化妆来不及了，演技卡壳了，摄像跟不上等等。值得一提的是第五次的拍摄非常完美，丝毫没有出错。但上田桑想要保留那种没办法第二次复制的东西包括小失误，因为这样更加真实，太完美反而没有趣了。
3，请务必要看的电影
因为有同学提问希望上田桑推荐一些希望我们看的电影
上田桑打太极，“那很多的啦”
最后居然是《关于莉莉周的一切》
4,上田慎一郎
上田桑说自己没有上过电影的专门学校或大学。几年前欠债两百万，无家可归。遇到很多的不如意事。但没有改变自己喜爱电影的事。被问起为什么想到要拍这样的片子时，他也说“这次就是想做自己喜欢的东西。”
在课的最后，老师请他为我们留一句话，他告诉我们，20几岁的时候要去经历去失败，30岁的时候这些失败会成为你的武器。
“因为喜欢就去做”是件不容易的事情。如同这部片子一样，上田桑用最最直白的方式告诉每一个人，我就是喜欢拍电影。
尽管你要面对很多你无法预料，心力交瘁的事情。尽管有要求奇葩的投资方，太有想法的演员和太没有想法的演员，麻烦又不规矩的群演，尽管你使出浑身解数成片未也未必有很高的质量。
尽管拍电影的过程不是一件有趣的事情，但是一件热血的事情。如果你也喜欢，也有一片赤诚之心，认真又投入，那么请努力去经历去失败，努力将一切转化为你的能力你的武器，让摄像机不要停吧！
最后附上可爱的导演sama
好想要导演的同款T恤。
最后大家一起合照了，然后上田桑说 请大家一起做一个丧尸的动作吧
2 ) “看完之后，我终于明白影展上的掌声是献给谁的。”——如菓
大约在八月上旬的时候，《摄影机不要停！》从日本的推特上刮出一阵旋风，终于延烧至海外。
“一镜到底绝无冷场”、“神作”、“年度票房黑马”、“影史奇迹”成为这部片的头衔，然而，点开一句话也听不懂的日文预告后，粗糙的特效、浮夸的演技，以及乱七八糟的镜头都让人打从心底怀疑口碑的真实性，似乎只剩开头那些掌声如雷的观众勉强可以证明这部片的价值了……
“既然是神作就得观摩是吧？”于是抱着一颗如果不好看就当作被骗的心情踏进电影院。
令人意外的是，发行商打着“只要撑过前三十七分钟，你将见证今年最skr的电影”这个标语是对的。
三十七分钟的丧尸片看完之后，最先感受到的是“头晕”、“想吐”。
当散场字幕缓缓升起时，前方携着男伴来看片的女友忍不住大声抱怨：“真是的，浪费我的钱！”
——相信现场可以表决的话，在场的观众多半也是这样认为的。
然而，电影却淬不及防地开启了新的篇章。
它带领观众回到一个月前，回到这部让你看得怀疑人生的电影诞生的历程。
你才发现……
原来如此！
所有不合理的地方，所有让你看得一头雾水、莫名其妙的的部分，都源自于不能停止的摄影机。
你也是在这时候才发现，这部片的重点从来都不是僵尸，而是电影幕后的故事。
《摄影机不要停！》可以让你有三个感慨——
第一，表面上看起来再烂的片，它的背后仍旧需要那群，或是那一个对它充满热忱的人来完成。
第二，票房大片从来就没有剧本潜规则，只有无止境的再发现，以及演员偶尔的即兴演出。
最后——拍电影真的是最热血的事了！！！！！
《摄影机不要停！》的幕前如此，幕后更是如此。
主角秋山Yuzuki曾在记者会上表示在一镜到底的拍摄过程中，虽然现场充满紧张和肃穆感，但最令她感动的是，当天即便没有出现在镜头里的演员和工作人员全都团结一致地到现场帮忙。
尽管片中的演员很多都不是专业的，有的甚至在戏外只是平凡的大学生，或从事记者等八杆子打不着的行业，但正是因为这群单纯有爱的人，才能创造出成本三百万日币，票房二十一亿的奇迹。
而带领大家实现这些不可能的导演，本身也是怀着对电影的热爱，抱着想做出不让自己后悔的东西的决心，才成就出这部令人出乎意料，却又愿者上钩的电影。所以我们才会在电影结束之后恍然大悟，然后将我们唯一能作为回报的掌声，毫不保留地献给这些让我们看到何谓“电影初心”的贡献者。
但除了幕后工作人员的努力之外，这部片之所以神，是因为连观众也和制作团队站在同一阵线，一起守护这部电影。所有看过的人都非常有默契的不剧透，不论是在网上，或是想要推荐给朋友，也只是说“就当作被我骗了，你去看看也好”，如此可爱又真诚的心意，相信每个热爱电影的狂热者都能感同身受，然后为之感动。
说真的，作为一位对影视产业怀抱憧憬与热情的菜鸟，我是非常羡慕能够参与这部电影的工作人员的，因为他们追逐的从来就不是票房或数字，而是好好完成一部作品的坚定与决心，但这却恰恰是最珍贵也最容易被遗忘的初衷……
愿有朝一日，我能拥有这样的团队，然后创造出属于自己的，属于所有人共有的作品，那绝对死而无憾了！
以此相片记录当天第一个进入放映厅的我。
全文By 《跟着角色学人生》编剧如菓
3 ) 从对抗到和解 导演父女的亲情羁绊
第一次看这部电影的人，大概很难不被剧本的创意和有趣的埋梗折服吧。
也是因为创意太出彩，所以大家可能不太容易注意到，这样一部低成本的喜剧电影，对人物形象的刻画也很到位，各种细节描绘得一丝不苟。
尤其是导演父女的关系线，从对抗到和解，有点像前段时间上映的《网络迷踪》。二刷之后，我越想越觉得有意思，忍不住为此专门写一篇文。
这对父女，哪哪儿都不像。
短片结束后，正片开始，导演用短短几分钟，就交代了父女俩的职业和性格。父亲是一个不入流的导演，接一些短平快的单，优势是「便宜、快速、品质尚可」。
这样的活，自然没办法对作品质量要求严格，于是我们看到拍摄现场眼药水随便用、台词没念好也没关系，甚至连哭戏的前因后果都不解释一下。
但也正因为这样，他被电视节目制作方看重，拍一镜到底的直播僵尸片。（制作方真会找人，拍一镜到底要的就是快！电视节目成本低，也不可能给太多预算。）
僵尸片进入准备阶段之后，导演「职场老好人」的性格开始凸显。因为腕小，宁愿自己憋到内伤，也要对剧组演员的要求说「好的亲」，不敢坚持自己的想法。
女儿那边，则完全是另一番景象。
女儿是个初出茅庐的导演助理，坚守着理想主义的情怀。
导演都说哭戏可以用眼药水，她偏不让小演员用。结果跟演员妈妈起了冲突，导演也不买她的帐。
情商也很低，管年轻妈妈叫「老太婆」，气得人家直接暴走，剧组的戏没法接下去拍，直接把她辞退了。
这样的父女俩，如果能和睦相处，那才是怪事了。
父女的隔阂，不知不觉已经很深。
父亲见到女儿被辞退，试图用过来人的经验教育女儿，但是女儿完全听不进去啊，不仅一言不发，还把眼药水扔给了父亲，内心OS：这个还是您留着用吧！
这背后的原因，其实是父女缺乏交流而导致的互相不理解、不认同。
父亲觉得女儿没有在社会上立足的能力，「再这样下去会饿死」。
女儿觉得父亲自己拍的作品也不咋地，根本没资格教训自己。
（女儿为什么也走上了导演这条路？我猜测可能是小时候看到当导演的父亲，心生崇拜，于是种下了种子，长大之后却发现父亲的工作一点也不伟大，不值得自己学习。）
还有一个细节，父亲看到电视里的神谷和明，问妻子：「这是谁啊？」，妻子回答：「这是她的新欢。」连女儿新追的爱豆都不认识，可见他平时忙于工作，根本不了解女儿的动态。
不知道也就算了，当他知道女儿的爱豆要和自己一起工作之后，也没把这个消息告诉女儿。
为什么不说呢？我猜可能是因为刚训过女儿，不好意思开口和解吧。
总之，电影前半段父女俩的互动戏份都很生硬，尴尬都快溢出屏幕了。
反观女儿和母亲在一起的时候，明显就轻松自在得多。
但是，父女俩并不是一直就不和。当父亲听到同事提起女儿后，回来翻看老照片，照片中父女二人的合影明明也是快乐的。
父亲看着照片大哭，妻子问：「拍摄现场这么不开心吗？」
他没好意思承认：不是工作不顺，只是想念那段和女儿亲密无间的时光。有点想不通，曾经关系那么好，为什么现在却成了最熟悉的陌生人？
一场ONE CUT拍摄探班，改变了父女关系。
父亲拍僵尸片，母女一同来探班，表面上是看父亲工作，其实观众都明白，只不过是女儿太想见爱豆，才央求母亲陪她一起来。
一镜到底开始后，出现了许多意想不到的状况，但正是因为这些状况，父女二人的相似之处得以暴露出来。
我们发现：原来父女俩对工作的坚持如出一辙。
1、当剧情接不上、眼看着只能停机的时候，父亲很想坚持拍摄，情急之中对着摄影机大喊「摄影机不要停！」。
在一旁围观的女儿急中生智，告诉工作人员不用停机，直接跳到某个场景就能接上戏，成功化解危机。
2、当摇臂断裂，没法拍摄最后的俯视镜头时，父亲与制片人起了争执，父亲坚持要拍，制片人却觉得删掉也无所谓。
紧要关头，还是女儿想出办法，让全剧组叠罗汉当摇臂，大家咬紧牙关，虽然摇摇晃晃，还是成功拍到了屋顶上的血咒。
最后，拍摄圆满完成，父女二人也终于和解。
因为在拍摄中，女儿看到了父亲对作品的不妥协，父亲也看到了女儿的能力。最重要的是，父亲和女儿都发现了：原来我们是同一类人啊。
一瞬间仿佛又回到了童年的欢乐时光呢。
也不知道为什么，我最近格外容易被亲情打动，看《网络迷踪》和《四个春天》都哭个不住，连一部僵尸喜剧居然都能看出来父女之间的羁绊。
也许就是，想家了吧：）
4 ) 摄 影 机 biè 歇 着
“别歇着！”
当年《鬼子来了》里姜宏波此话一出，身上的姜文还没来得及使劲，趴窗根的“我”反倒吓坏了。硬着屌的“我”气急败坏，用枪指着姜文，丢下小鬼子自己跑了，最终害马大三掉了脑袋。回到办公室的“我”一想不对，顺带以“立场问题”禁播了《鬼子》，让丢了脑袋又折兵的姜文看清了这血粼粼的世界。
这次“日本姜文”吸取了中国姜文死在“歇着”上的教训，提上裤子，精神抖擞，拍了个一镜到底的新片，让机器和剧组谁都没歇着，取名也干脆，就叫《摄影机不要停》。
没想到此片祭出，票房也一直没歇着，以18万人民币的成本近2亿票房的高回报率，成为日本年度现象级黑马爆款，给本就疲软的日本真人院线片带来了一丝光亮，并迅速成为广大中国影迷片单上的一员。
《摄影机不要停》的剧情很简单，讲了一个剧组拍摄一个一镜到底的丧尸电视节目的全过程。聪明的是它在结构上动了手脚，把立项筹备、拍摄过程、成片节目三部分的时间线做了调换。先放出成片节目，再交代立项筹备和人物前情，最后解密状况频出、笑果爆发的拍摄过程。
相信大家跟我一样，对于正片粗制滥造的长镜头并不感冒，起初的OS:就这也高口碑？再看“假”花絮，OS：这帮中二的人还真有点意思，小励志。真正片尾花絮的，OS：这帮人不容易，很努力，有那么点感动。
正片，花絮，花絮的花絮，观众观看三种影像的状态，思考的方向完全不同，严肃、喜剧、励志这三连击递进的情绪铺陈，让人眼前一亮，使观众认同人物的同时，产生情感共鸣，最终完成爆笑温暖的励志主题表达，这正是《摄影机不要停》戳人的原因。
尽管如此，从结构和立意上，《摄影机不要停》并不鲜见，也逃脱不了与《大人别出声》、《麦拉狂想曲》等前辈的借鉴关系。从成本和制作水平看，它的粗糙质感也仅仅停留在电视水平，但它构建的多重放大视角却达到了“不一样”的有趣。长镜头，拍摄长镜头，拍摄拍摄长镜头以及看节目的人们，利用四个空间、四个视角层层放大，揭秘了一个电视节目的制作流程。戏里与戏外，临场与细节，意外与解决，这些对立冲突被有机的统一起来，在达到一种相对高级的喜剧效果的同时，把影视行业上中下三游以及影迷爱好者的相互关系，浅尝辄止的描绘了出来。
这种多层嵌套的视角，去年的《大佛普拉斯》也用到过，行车记录仪里的富人、偷看记录仪的穷人、看这些人们的观众，层层的窥视在增加视角的同时，也扩展了思考的多重角度，用诙谐荒诞的方式讲了一个社会问题，直击现实的痛处，能使观众与电影产生全新的观影体验。
不得不承认，日本电影人用特有的中二和几近失控的喜剧，呈现出了一部小成本影像作品制作中的偶然和荒诞之处。这不仅仅是电影人以自嘲的方式，解构了电影拍摄的细节和各方因素，更展现出了影像背后从业人员令人担忧的现状，拍出了他们的现实境遇和行业困境，与其说这是献给观众的爆笑喜剧，不如说是电影人拍给自己的一小份悲凉。
中二和废柴，向来是日本反励志励志片的特有元素，唯有日本人能用这些“废料”拍出不傻、不二、不废、不柴，还很欢乐、小感动、小励志的电影片。
这让人想起另一部，同样是表现日本电影人的废柴励志片《下众之爱》。在普遍“卢瑟”的影视行业里，怎么维持梦想与失败，怎么看待堕落与前行，怎么处理迷茫与执着……电影里统统都有答案。
“拍电影就像爱上了个荡妇，但我们没办法对这个荡妇弃之不顾，所以你只能不断的艹下去，要坚持拍下去。”《下众之爱》这句粗线条台词，和《摄影机不要停》导演对镜大喊：“摄影机不要停。”简直同一个语调，一语道破电影人与电影的关系。现实与梦想像是闷棍与裸女，在脑震荡与欲望间，“卢瑟”们做不到拿着大棒强奸裸女，只能一次次坚持着从脑外科的病床上醒来，又一次次在散尽精血的空虚中睡去，在不停的挨打中坚定的拍（艹）下去。
一部电影的诞生就是叠罗汉的过程，不光是制片、导演、编剧、演员、摄影、剪辑……声光电服化道这些具体的从业人员，那些梦想者、失败者、爱好者甚至离开行业的人更是电影的基石，往往人们只看到那个站在最顶端最铜人的罗汉，却忘了下面一层层小罗汉叠加托举着大罗汉的目光。
纵然很多人会失败，纵然这是个欲望场，对影迷而言，还是要看到更好的电影，更好的故事，看到影视从业者们骨子里的那份坚持。
所以再次恳请这帮家伙，摄影机不要停，勇敢的艹下去，这是每个爱电影的人的理想，望周知。
5 ) 不会受到剧透影响的好电影
这部电影我是在2020年春节前一周观看的（爱奇艺独播）。在看电影的前30分钟时，我就想到如果提前告诉观众耐心等待，这样的剧透反而不会影响观影体验。确实有些观众对于前三十分钟一镜到底的直播毫无耐心，不知道电影后面藏着怎样的惊喜。反正我是看出导演埋下了伏笔，肯定会交代幕后的故事。这样我就自然对影片后面有了一个悬念期待，虽然导演并没有故意制造出悬念。
影片叙事的铺陈在戏中戏《One Cut of the Dead》开拍之前。正式开始一镜到底的拍摄直播之前，我们的想象都无法达到“这部电影是如何拍出来的” 。感觉的形成自然而然受到屏蔽，好像有一道“无知之幕”天然地将观看者与幕后拍摄者隔开。因此本片在30分钟过后就一层一层拨开了幕后制作的各个环节。每一个环节其实都超出了观众原来的想象。这时才形成感觉，会有“原来如此”的恍然大悟的感觉。
影片最后三十分钟里有突发的事件发生，也是由于突发事件推动了整个《One Cut of the Dead》的拍摄过程变得惊险刺激。这也是无法剧透得知的。一定是观众对电影有了代入感，感同身受后理解了开头的三十分钟才会觉得后面三十分钟特别刺激。是刺激点把前面的铺垫给串了起来。
一部好电影是不怕剧透的，所以我在这里简单的分析一下《One Cut of the Dead》这部伪丧尸片：首先这是一部电视秀，受众是很有限的。其次这部电视秀表达的是个体的主观感受：在废弃的工厂建筑里遇到生化危机，然后逃离丧尸的攻击。至于为什么会有丧尸这种问题，则不予回答。电视秀这种节目形式不会浪费时间把相关的世界秩序向观众娓娓道来。观众通过特别的一镜到底的直播体验成为戏剧的经历者，观众的视角化身成为第一人称，与女主角经历一波同样的生化危机。这时的女主角就是这个有丧尸世界的对痛苦的反应者，观众是对痛苦者的反应的观察者。又由于观众是对着电视机屏幕进行观察，是安全的，并不会在视觉效果以外体验到血腥，观众其自身也不会指导女主角的行动。
直播《One Cut of the Dead》这场电视秀本身是把滑稽提高到了荒诞的高度。十万倍地放大普通的害怕到恐怖的程度：尖叫，尖叫，失控般的大声尖叫，砍头，断臂，血浆飞溅。急剧刺激人的视觉感官。而与之对应的又是嘲弄了在看观众的机智；突如其来的结局把怪异的追杀变为无法自圆其说的神秘。
在《One Cut of the Dead》的幕后制作剧情中，又进一步揭示了灵感，自发与个人情感都不是拍摄直播过程中的主导力量，而是导演的技巧与剧本在发挥作用。导演与剧组所有人都排练过多次，就算临时出了意外，导演亲自上阵，按照剧本的编排也可以完成直播的拍摄。而导演在幕后所做的一切幸苦努力也只是保证了直播拍摄顺利，给看到了直播的观众提供了乐子。
6 ) 别看不起烂片，它们也有尊严！
摄制组在深山的一家废弃工厂拍摄一部丧尸片时，却意外唤醒了真的丧尸...
这是[摄影机不要停！]一个俗套到有些想让人翻白眼的开头，但它后续的展开却完全惊人地偏离了人的预想。
5个多月前，当[摄影机不要停！]初次只在日本的几家艺术影院点映时，很难会有人想到它如今的火爆程度。
300万日元(约合18万人民币)的成本，没有一个明星，前期几乎无宣发，上映后却口碑迅速发酵，几个月突破了百万观众数，揽下超30亿日元(约合1.839亿人民币)的高票房。
不仅如果你是丧尸片、恐怖片爱好者，你不能错过它；但凡你热爱电影、热爱喜剧，你都一定不能错过它。
因为，这是一部写给电影爱好者的情书——
前37分钟丧尸短片展现出来的粗糙、怪异、令人困惑不解的地方，都在电影后半段的拍摄过程一一解开。
难怪有人说，这部片的观感大概就是[房间]和[灾难艺术家]的连映，恰当如是。
当觉得前路漫漫、为梦想很难坚持的时候，看这样一部为电影人写的笑中带泪的情书，会觉得没有人容易，尤其那些预算有限、时间可怜的B级片导演。
B级片，B-movie，并不是通常意义上的一种电影分级，而是从制作投入上划分出来的，低预算影片。
上世纪30年代，有声片开始出现，从默片到有声片的转变扩大了观众群体，让更多人开始走进影院；
再加上当时的经济萧条期，大萧条中的美国人呐，才不管你电影院里放的是什么内容，只要能让人们暂时忘掉那困顿的现实，救济金里掏个几分钱还是很乐意的。
所以，人们也常常用“黄金时代”来形容30年代的美国电影业。
早在20世纪后半期，米高梅、派拉蒙、华纳、福克斯等大制片厂已经形成了一种相对明晰的产业结构图，高投资的A级片也能为他们取得不错的收益。
比如，华纳的有声片[爵士歌手]就以40几万的成本为他们收回了超过350万美元的票房。
©[爵士歌手]剧照
但是，另一面，随着高投入和增多雇员而来的是，很高的投资风险。
那些出身于早期5分钱镍币影院的老板们自然很明白，怎么样节省资金、物尽其用——
在拍摄A级片较长的制作周期间隙，充分利用人员和设备，顺道拍一些低廉的小片。
这样，B级片顺势而生了。
那时的影院，学的是早期歌剧院的模式，几部不同的作品接连上演，先放卡通短片、风光短片等等，差不多了才是正片。
而B级片，往往在正片结束之后放映，几十分钟但不超过一个小时。
©比如1938年的[萨德的朋友们]只有55分钟
比起那些有着大明星、大导演加身，高成本、制作精良的正片，随机附送的B级片根本无所谓题材和质感。
没有明星出演、演员演技感人，场景少，布景、特效低廉简陋，剧情俗套平庸、甚至常出现连贯错误，趣味低级等等特征，就成了B级片的标签。
要说，[摄影机不要停！]里那前37分钟的丧尸短片，就完全可以称作是B级片水准。
B级片这个词，也似乎成了一个暗示着质量低廉、俗套差劲的负面词汇。
美国60年代后，虽然捆绑上映的“双片制”早已取消，但汽车影院、午夜影院的出现，开始让B级片更加兴盛起来。
©60年代的汽车影院推动了B级片的发展
它常常和暴力、恐怖、血腥和情色等剥削题材合流，吸引了当时新成长起来的青年一代观众群。
那时，甚至又出现了比B级片质量更为廉价的Z级片概念，它们也常常被毫不客气地叫做“Trash Film”。
剧本更差、剪辑和灯光更差、演员更差，常常是在电影产业边缘甚至外部制作的Z级片，跟B级片一起，虽然边缘，但也成为电影本身的一部分。
虽然被绝大多数观众瞧不上，但每个时代它也有着属于自己的那一小撮忠实拥蹙在。
吉田大八的[听说桐岛要退部]里，有一个手拿摄影机疯狂执着于拍丧尸片的普通少年前田。
在一次观影冢本晋也那狂暴凌厉的[铁男]之后，他和偶遇的同学激动地聊起自己如数家珍的B级片，对方却连连摇头表示不认识，然后很快走开了。
©B级片[铁男]直接出现在[听说桐岛要退部]里
这种有些伤感的孤独和落寞，大概很真实地代表了很多B级片死忠的感受，可能也是那些一生不被理解、伴随嘲笑而生的失败者导演的心声。
比如，艾德·伍德。
艾德·伍德一生写了至少47个剧本，执导了18个影视作品，监制了12部影片，但他生前，无人识得。
他去世后，被后来的影评人冠之以“历史最差导演”头衔，他的[外太空计划9]也被评为“历史最差电影”。
这才激起了人们对这位从没拍过一部好片的B级片导演的兴趣。
©德普演绎的[艾德·伍德]剧照
蒂姆·波顿为他拍传记片[艾德·伍德]，在电影结束前，让饱尝了无数心酸和挫折的艾德·伍德收获了人们的掌声。
但这是明显虚构的。
他拍第一部电影[忽男忽女]，是在好莱坞寂寂无名混迹良久之后自己争取来的机会——
3天时间写剧本、10天拍摄，3万美元左右的预算。
到了[外太空计划9]时，他更夸张，只花了5天时间就拍摄完成。
当然，当时是无人问津，后来是声名狼藉，缘于这些片子低成本、短时间带来的“粗制滥造”感。
[外太空计划9]里，他用洗得发亮的盘子当飞碟，用纸板来做墓室。
©[外太空计划9]里的飞碟能看到线
仔细看还能看到飞碟飞过时吊的长线，而演员们偶尔还会撞到甚至撞倒那些用硬纸板做的粗糙布景。
同样一个场景，他白天时拍一次，晚上再拍一次，同样的素材在电影前后反复多次出现。
更别提那些业余演员们的尴尬演技了，像是在经常望着提词卡一样的说台词方式，对白写得也无聊又尬。
表现战争时，他更直接把以前的纪录片场景搬出来放进去，这些都让[外太空计划9]成为无可争议的烂片“神作”。
而在传记片[艾德·伍德]里，还有一段他拍[大话原子人之怪兽娶亲]时的悲催场景。
©[大话原子人之怪兽娶亲]里的章鱼怪
他电影的主角大型章鱼怪的道具是全体工作人员半夜去别的片场偷过来的，结果偷得太急还忘了拿章鱼怪的发动机。
没有音响、一晚上要拍25场戏、几乎晚上只睡一小时就接着起来拍、演员们还要泡在水里自己动假装被章鱼怪袭击。
历经这些艰辛过后的电影首映礼，迎接他们的却是观众们冲着演员、导演扔鸡蛋，甚至还差点因为愤怒砸了艾德·伍德的车。
比起令人心疼的艾德·伍德，似乎就连[摄影机不要停！]里剧组为拍摄丧尸短片所付出的一切都不算什么了。
毕竟，被自己的观众用臭鸡蛋丢这种经历，也不是每一个B级片导演都能有的。
艾德·伍德只是其中之一，历史上那些无数个为着“摄影机不要停！”梦想努力向前奔跑的人中的一个。
《纽约时报》曾经这么说过：
[大白鲨]不就是一部高成本的罗杰·科曼电影吗？
罗杰·科曼，另一位B级片之王，一生导过50多部B级片，他曾经用5天时间拍摄了[血流成河]，也曾用两天一夜的恐怖效率拍出过B级片经典[恐怖小店]。
©[恐怖小店]海报
他甚至有一句流传甚广的名言：
电影只有一种拍法：飞快地拍。
为了省钱省时间，他经常让摄影师平常就去追着消防车、救护车拍，甚至拍生活中任何正在发生的动作。
因为，他会直接把素材放进电影里；为此，他甚至自己跑到火灾现场、不顾危险地拍摄大火场景。
放心，这样的大场面拍完之后，他的下部片、下下部片可能都会反复使用这同一素材，绝对不会浪费。
[马诺斯：命运之手]，另一部名垂影史的神级大烂片，常年在最烂top10的榜单，导演阿罗德·沃伦却是一个心怀电影梦的化肥商人。
©[马诺斯：命运之手]海报
包括新世纪以来，烂成史诗级名作的[房间]和[群鸟：震惊和恐怖]，导演托米·韦素和詹姆斯·阮也都是异常“严肃而真挚”的“电影人”。
在詹姆斯·弗兰科为托米·韦素作传拍的[灾难艺术家]里，你可以看到他是多么认真、多么真诚地想拍出一部杰作。
但也是这么用心地拍出了这部哪哪都不对、哪哪都是错的“烂片界公民凯恩”[房间]。
詹姆斯·阮这位越南籍希区柯克铁粉就更有意思，把自己上班以来攒下的1万美金全部用来拍摄[群鸟：震惊和恐怖]，更花了4年时间仔细打磨。
©[群鸟：震惊和恐怖]里的特效
做后期时没钱了，就找刚毕业的特效师来做，这片的特效其实就是把鸟儿复制粘贴了一下而已。
所以啊，别看不起烂片，它们真的也有尊严！
就像[摄影机不要停！]结尾，摇臂摄影机摔坏了，剧组所有人哪怕叠罗汉也要拍出来想要的那一幕。
粗糙是可以的，糟糕也是可以的，但拍片的摄影机不能停！
参考资料：
【1】「カメラを止めるな！」上田慎一郎監督、当初の目標は動員5000人，映画.com
【2】Roger Corman，Wikipedia
【3】B-movie，Wikipedia
【4】Birdemic: Shock and Terror，Trivia，IMDB
【5】B级片历史，电影推荐网，2016.4.6
【6】Funniest B Movies of All Time，PaulDeMerritt，CheatSheet，2017.1.28
【7】他是史上最烂的导演！可他自己却不这么认为，黎小墨，公众号奇遇电影，2016.6.4
【8】Ed Wood：Tim Burton’s Beautiful Ode to a Fascinating Filmmaker, From One Outsider to Another，CINEPHL
作者/卷卷毛
文章首发于微信公众号「破词儿」
等了大半年，可能预期太高吧，非常失望。《糊涂戏班》的结构+对一镜到底的迷恋+新人导演+脱力丧尸+日式煽情，全都是意料之中的拼凑所得。除了喜剧效果，切换视点对电影中”失误“的解谜，跟听上映后导演大谈拍摄时的遗憾有什么区别呢？而且为什么一定要说这是献给电影的血浆情书？电视台、直播、流量小生、完成任务、会议间里的观众，每一个片中提到的设定都规避了电影，倒不如说是电影人的自我解嘲。
今年日本院线电影里观影体验最酣畅淋漓的一次，后半段全场一起笑到昏厥，真的好久没有看一部电影这么愉快了！挑战观众的开头一镜到底37分钟，如万花筒般层叠镶嵌的剧中剧，糅合多种要素的创意构思……迷影之情溢出屏幕。感觉演员、导演以及所有参与制作的人都乐在其中，看到最后一定会被感动到。
还好身边的朋友都比较仁慈，没有给我具体的剧透，没想到结构变了三次是这样的，经提醒之后，有意在留意第一部分里那些突兀的点，没想到了最后一部分都成了临场的笑点，也成了凸显电影人精神的部分。互文下来之后颇有当下影视大环境下娱乐至死的速食作风，拍的烂有时候也是一再妥协下迫不得已的烂，再烂的片子背后也会有一些用心的地方，只是这一次导演先看了烂片，再让你看烂片背后闪着光的用心。这要是搁在平时，大家连烂片都懒得看，背后的闪光更是没人会看得到了。
这部必火！必须火！！！p.s.500一本的场刊里导演把剧本全给印上了，推荐购买
前30分钟比《小时代》还烂，结果最后30分钟比奥斯卡最佳影片还精彩，瞬间把一星烂片扭转为五星佳作。想象力天马行空，创意简直无敌，恶搞指数爆棚，诙谐程度无以复加，让人笑到癫狂，整部电影牛逼到无法用言语形容。为什么突然聊防身术，演员为什么突然想出去，摄影机为什么掉在地上不动了，三位演员为什么突然看向门外，为什么丧尸发现女主却不咬她，男主为什么一会儿走一会儿停……原来一切不对劲的镜头都是有原因的。毕志飞、郭敬明都应该好好学习，要是借鉴《摄影机不要停》的思路在电影后半部分加上拍摄花絮，《逐梦演艺圈》和《小时代》能成9分神作。
看前半小时真怀疑如此好的口碑究竟怎么得来的，原来“正片”之后的“花絮”才是重点，视点不同的互文揭示低成本电影是如何拍成的——一个状况百出的团队，艺术要求不高的资方，在捉襟见肘的人手调动下，发挥种种即兴表演和临场应对的能力，大家通力合作完成拍摄。“揭秘”过程令人爆笑，又不无艰辛，之前对“正片”中出现的第三方摄影机机位存疑，此刻才恍然。形式的创新，内容的丰富，以及充分利用电视台媒介的功能，都让人耳目一新。
开场前30分钟的那段长镜头，我看了10分钟就坚持不下去了……一路跳着看完的……然后等我看完后半段，又把开头的30分钟认真看了一遍，边笑边哭！
4.5 一部难得的、毫无吹水感的“真·神作”，效果宛如《房间》+《灾难艺术家》连映，被彻底控制大脑、抓住笑穴。
谨以此片向李安从家里搬来被摔碎的餐桌，小津从家里拿来的红色暖水壶，抓走张艺谋的UFO，赶着杜可风摄影机跑的重庆大厦保安，被集体抓嫖载入县志的东邪西毒剧组，胡金铨写的书法对联，片场喝的醉醺醺的玛丽莲梦露，黑泽明等来的云致敬～电影是一场奇遇，摄影机不要停～
为了一部真正的好片而拍摄了一部真正的烂片。
是，我们拍的是假的，我们还告诉你为什么拍的假，甚至告诉你的这个过程都是假的。开头的一镜需要勇气，不然很容易十分钟弃。
D+ / 还是觉得更像是迷影向的一期综艺节目。虽然试图用并不新鲜的“虚假”嵌套来论证“真实”的意义，但也正是因为这种嵌套同样是封闭的，影片最终的层次还是停留在致敬电影工作者，反而没有向“真实”敞开裂缝——这也是影片最薄弱最矛盾的一点。冷静下来还是三星，若若说得很对，这是一部《房间+灾难艺术家》，显然我依然很不喜欢《灾难艺术家》的部分。
4.5，你们要知道，烂片也是剧组上下几十口人拼了命才拍出来的
拍个av版吧，日本姜文自己演。
正常來說，30幾分鐘的長鏡頭應該是足以名留影史的炫技大師之作，但那AV級演技、稀爛鬼劇情、粗製濫造、純粹血漿與女體的賣弄的殭屍短片實在是……看到End Credit跑出來，只覺得我天還好結束了。但立刻被拉回來，不對啊才30分鐘而已怎麼就End Credit了？才發現自己原來被拉進了一場後設的狂歡喜劇當中，一般的plot twist只會用結尾5分鐘來搞「真相大白」，這裡給足滿滿的60分鐘的「真相大白」，才發現前面的所有不對勁都有跡可尋，就是放送事故豪華大禮包，能錯的全都錯上了。但看著他們用盡全力搶救這部電影，沒有人願意直接喊卡，居然也慢慢覺得開頭那東西爛雖爛，可是如果反過頭來看電影後面，願意一層一層的剝開攝影機，你在爆笑之餘，可能會發現自己也有點鼻酸，有些想落淚
哭不出来可以滴药水，背不出来可以配台词，在一个不专业的剧组，敷衍会像丧尸感染每一个演员。虽然一镜到底拍出的还是烂片，但男演员不再傲慢，去充当人梯，女演员不再矫情，肯被呕吐一脸。业余场务表演了什么是投入，临时导演喊出了心声。你的烂片是我的作品，你的敷衍是我的人生，我不要这样的人生。
后半部分有趣，最后甚至有些感动，写给电影的情书有那么多封，大概只有这一封最淳朴最古怪，也最“怡情”，不过，看完全片后还是觉得这不太像一部电影，而更像是满足观众好奇心的午夜档解密节目，正如电影开拍前制片人向导演阐述其即将执导电影的两个“卖点”，同样适用于本片，因为它胜就胜在牢牢抓住了影迷的猎奇心（丧尸、一镜到底），《摄影机不要停》的观众定位相当准确，只要你爱看电影、爱看丧尸片、对一镜到底怀有好奇、对电影幕后花絮怀有好奇，那么你就会是本片的潜在拥趸，与此同时，当你被前半段的“失误”弄得一头雾水时，导演又以一种合理且戏谑的方式一一予以解释。娱乐至死的年代绝大部分人当然会欢迎这类作品，但很难说嬉笑过后本片会为观众留下什么。以及，说句题外话：再一次为伍迪·哈里森去年那部无人问津的《迷失伦敦》感到惋惜。
推荐有条件的、以后出源了都看一下：将会载入cult电影史/迷影影史的电影，这一部就能让人对日影重新燃起信心。比吉田大八的《桐岛》更加彻底地用丧尸片表达出了对电影的爱。具体不剧透了。
前半个小时：好烂哦。中间半个小时：(._.)无聊到看表。最后半个小时：我的妈呀原来是这样哈哈哈哈哈哈哈哈！
挺好笑的。看开场一镜到底的烂僵尸片，与NG42遍一样难熬，确实要冒出来诸多问题：台词是接不下去了该找手机了；导演怎么中二般闪现大叫又消失；包贝尔为什么坐在门口状况外；摄影机怎么拌蒜栽地上了；为何突然变成了手持推拉的廉价大特写；匪夷所思的抢戏女二；突然冒出来的一截大腿……《摄影机不要停！》美化了电影制作本身的乐趣，但事实上，在类型片的现场，内容本身并不会有太廉价的感觉，倒是真的跳到开始筹备过程，低成本的感觉更明显。说到底，再烂的电影，都有一个灾难的、大型车祸现场的拍摄过程，可观众只会（需要）看到成片结果。许多去过现场的，也都会觉得烂片有心血有苦劳的，那不如看看别人是怎么玩的，把拍烂片的过程还原 review 一遍。